Тема 1. 

Рисунок — изобразительное начертание на какой-либо поверхности, сделанное от руки сухим или жидким красящим веществом (либо процарапанное твердым инструментом на более мягкой основе) и др. с помощью таких выразительных средств. как линия, штрих, пятно. Различными сочетаниями этих средств в рисунке достигаются пластическая моделировка, тональные и светотеневые эффекты.
Рисунок является как самостоятельным видом искусства, так и вспомогательным средством для создания живописных, скульптурных, архитектурных, декоративных и других произведений.Рисунок играет немалую роль в различных видах деятельности человека. Примерами могут служить рисунки в учебниках, различные элементы оформления научных трудов, зарисовки технических деталей, эскизы костюмов и зарисовки деталей одежды, узлов обработки изделий и многое другое.

Тема 1.1. Конструктивно-линейное построение трех гипсовых тел

Практика

Рисование натюрморта из 3-4 гипсовых тел (сквозная прорисовка)

Передача взаимного расположения предметов

Урок изучения новых знаний и способов деятельности.

Применение знаний на практике

ЗАДАНИЕ
вам понадобятся: полватмана, планшет, карандаши, ластик, кнопки
1. На фото постановка из 3 геометрических гипсовых предметов
Выберите один из ракурсов (спереди, слева или справа)








компонуйте карандашом на формате. Компоновка - правильное расположение предметов на формате учитывая соотношение размеров предметов на формате. Предметы не должны быть слишком маленькими или слишком большими по соотношению с форматом
- смотрите пример ниже
2. После компоновки выполните линейно - конструктивное построение предметов
постройте правильные формы предметов используя вспомогательные линии 
- сквозную прорисовку чтобы линии были видны как на примерном рисунке
- передайте объём предметам с помощью штриха карандашом следуя примерам, ниже






Тема 1. 2.  Рисунок драпировки


Виды драпировок.

Зависимость вида складок от пластических свойств материала. Направление складок и их связь с точками опоры материала.

- Изображение закрепленнной на вертикальной плоскости драпировки из ткани с ярко выраженными пластическими свойствами.

- Анализ направления складок, связь их с опорой и пластическими свойствами.

- Передача пластики ткани, объема

- Передача тональности

Методические аспекты работы в рисовании драпировки со складками.

Цель занятия:  

Формирование умения лепить тоном и цветом складки драпировки различных форм;

 Развитие объемно-пространственного мышления при анализе конструкции

 складок драпировки;

 Формирование культуры творческой личности.

Цели обучающие –

•научить выполнять рисунок задрапированной ткани;

•научить выполнять светотеневую моделировку формы складок;

•научить передавать материальность драпировок штриховкой.

 

Учебные задачи:

(для обучающихся)

1. Компоновка драпировки в формате листа.

2. Построение конструкции складок драпировки и плоскости, на которую она  

    опирается.

3. Выявление и передача тональных отношений в постановке.

4. Передача тоном освещенности и объема складок.

5. Передача цельности и выразительности драпировки.

Драпировка — это ткань, наброшенная на предмет или закрепленная на плоскости в одной или нескольких точках, спадающая вниз и образующая различные складки.

С драпировками связан весь наш быт. Это шторы, накидки, скатерти, одежда и т.д. Они являются составной частью натурных постановок и не только служат фоном, но и органично входят в постановку.

Ткань не имеет четкой стабильной формы и принимает форму того предмета, на который она накинута. Если ткань спускается с предмета или с иной точки опоры, то она образует различного вида складки — драпируется. В изобразительном искусстве верно нарисованные складки драпировки способствуют живости создаваемого образа. Для грамотного рисования складок нужно правильно определить их пластику, поэтому необходимо знание основ формообразования.

Можно выделить следующие виды складок: вертикальные (прямые), диагональные (косые). радиальные (лучевые). Эти виды складок дают различные сочетания.

Структура и форма складок зависит от пластических свойств тканей.

Спадая вниз, плотные и жесткие ткани дают крупные, монолитные, рельефные складки, а современные рыхлые шерстяные и полушерстяные ткани образуют более мягкие складки меньшего размера. Ткани из натурального шелка дают мягкие, легкие, мелкие складки.

 

В большинстве случаев драпировка используется в портретах, натюрмортах,в одежде фигуры человека.

Приступая к рисунку драпировки, надо стремиться как можно яснее выявить характер складок материала. В форме любой складки можно выделить наиболее выступающую поверхность и поверхность наибольшей глубины, мысленно разделить форму на составляющие ее плоскости, таким образом, провести конструктивный анализ формы.(рис.схем драпировки).

Рисуя ткань, закрепленную в двух точках опоры на вертикальной плоскости, прежде всего необходимо проследить, как образуются складки.

Главные складки идут от опорных точек вертикально вниз и имеют вид конусов, а между ними образуются дугообразные складки.

Начать рисование складок с наиболее приглянувшегося участка ткани.

В рисовании драпировки, после общей компоновки на листе намечаем направление складок, строим форму, состоящую из выпуклых и углубленных частей ткани; далее приступаем к выявлению формы складок при помощи светотени. При тональной разработке складок штрих лучше всего класть по форме их движения, а в углублениях — вдоль натяжения поверхности ткани.

Осваивая технические приемы передачи тканей различной плотности и фактуры, красоту складок, разнообразие их движения и пропорций, учащийся подготавливает себя к изображению драпировок на фигуре человека.

 

 Практические задания занятия

(«Передача формы складок»)

1.определяем расположение драпировки на формате;

2 компонуем изображение на листе;

3.закрепляем материю на двух опорах (кнопках);

4.намечаем опорные точки драпировки, к которым направлены ее гладкие складки;

5.легкими штрихами устанавливаем направления этих складок;

6.намечаем также складки свободно лежащего материала;

7.намечаем второстепенные складки.

8. покрываем штрихом самые темные места драпировки: тени в рисунке помогают увидеть объем предметов;

Пластика ткани определяет характер складок. Предварительно зарисовкам можно изучить свойства разных видов ткани: проследить, как образуются складки и изгибы.

Следует избегать слишком мелких складок, затрудняющих работу над рисунком. Чтобы складки яснее читались, следует выбирать для драпировки гладкую, немнущуюся ткань без орнамента. Характер образования складок зависит не только от природных свойств материала, но и от того, какую поверхность по форме и площади покрывает материал, ниспадая с нее.


рис. 2 Показано в каком направлении нужно штриховать. Показаны направления складок



Поэтапность выполнения драпировки


ЗАДАНИЕ

Фото драпировок для рисования карандашом

- Выбрать один из драпировок на фото, снизу, нарисовать на формате А2 (полватмана)

1. Правильная компоновка на формате

2. Передача пластичности, передача объёма и материала с помощью штриха 









ТЕМА 3

Общие  сведения о цвете

Лекция

Физические основы цвета. Ахроматические и хроматические цвета. Характеристики цвета. Спектры различных источников света и их значение для живописи. Техника живописи.

Основы живописи, изучение основных понятий. Цвет и колорит. Правила композиции.

Практика

Задание на тему ахроматические и хроматические цветов:

1. Выполнить растяжку ахроматических и хроматических цветов








Построение цветового круга

- Выполнить на твердом формате А 4 цветовой круг

- Начертить карандашом и заполнить цветами как на примере

Цветовой круг выполняется, конечно же, в цвете

Вам понадобятся: гуашь "Мастер класс" или "Сонет", кисти синтетика щетина разной толщины, от тонкого до широкого

 

Круг Иттена — это схема из 12 цветов. Все оттенки во внешнем круге получены из трёх цветов, расположенных в центре.

Так выглядит эта схема

Давайте разберёмся, из чего состоит круг Иттена и для чего он нужен художникам и дизайнерам.


Как устроен круг Иттена

В центре есть треугольник из основных цветов — синего, жёлтого и красного, — смешивая которые, можно получить любые оттенки, доступные человеческому глазу. Эти цвета в схеме также называются первичными. Если смешать по два из трёх первичных цветов, получаются вторичные цвета. Жёлтый с синим при смешении дают зелёный, жёлтый с красным — оранжевый, а синий с красным — фиолетовый.

Ещё в круге есть третичные цвета. Они получаются при смешивании первичного и вторичного цвета, которые соседствуют друг с другом на схеме. Например, жёлтый и зелёный дают третичный цвет — жёлто-зелёный, жёлтый и оранжевый дают жёлто-оранжевый и так далее. В результате во внешнем круге на схеме мы видим 12 цветов, из которых три первичных, три вторичных и шесть третичных.

Если посмотреть на внешний круг, можно увидеть, что цвета в нём расположеы в спектральном порядке, как на радуге: от красного, который по физическим характеристикам имеет самую большую длину волны, до фиолетового, у которого она самая короткая.

Как и когда появился круг Иттена

В истории было много попыток систематизировать цвета: есть цветовой круг Ньютона, Гёте и Оствальда. Но именно круг Иттена стал самым популярным. В бумажном виде эта схема продается теперь в любом художественном магазине.

Йоханнес Иттен — швейцарский художник и преподаватель Баухауса, известный своим вкладом в изучение колористики в начале прошлого века. В книге «Искусство цвета» Иттен подробно описал принципы работы с цветом и уже знакомый нам круг.

Свою схему Иттен построил, опираясь на труды предшественников — физиков, химиков, психологов и художников. Он сумел собрать все существующие теории в простую и логичную систему.

Зачем нужен круг Иттена

Цветовой круг помогает подбирать гармоничные цветовые сочетания. Пожалуй, сейчас это самый популярный инструмент графических дизайнеров и художников. Опираясь на схему, можно выбрать палитру для интерфейса сайта, фирменного стиля или иллюстрации.

Круг устроен так, что максимально контрастные цвета расположены дальше всего друг от друга. А близкие цвета, соответственно, являются смежными на схеме. Всё цветовое пространство круга можно условно поделить пополам: от зелёного до малинового цвета идут холодные оттенки, а от красного до жёлто-зелёного — теплые.

Цвета в круге выстраиваются в стройную систему, и это здорово. Потому что простые фигуры, наложенные на такую схему, будут показывать гармоничные сочетания.

Основные комбинации на круге Иттена

Вариантов сочетаний цветов по кругу Иттена очень много. Давайте рассмотрим несколько из них, которые используются чаще всего.

1. Если провести через центр круга прямую линию, получится комплементарное сочетание — оно максимально контрастное.

Контрастные цвета, которые соединяет прямая линия на круге, называются дополнительными.

Сочетание дополнительных цветов активное и энергичное. Если использовать их в равных пропорциях, они могут перебивать друг друга. Такое сочетание хорошо подходит для расстановки акцентов: для этого один из цветов берут как базовый, а другого добавляют немного, чтобы выделить отдельные объекты на изображении.

2. Если нужен менее сильный контраст, можно использовать сочетание из трёх цветов — контрастную триаду. В этой комбинации один из дополнительных цветов заменяется на два соседних.

Контрастная триада получается при наложении равнобедренного треугольника на круг

Это хорошая альтернатива комплементарному сочетанию: здесь сочетание по-прежнему контрастное, но уже не такое резкое. Если вам нужно чуть приглушить контраст дополнительных цветов или просто расширить палитру с двух до трёх цветов, можно выбирать такой вариант.

3. Равносторонний треугольник образует классическую триаду: три цвета в его углах будут давать сбалансированное сочетание. Этот вариант подойдёт, если вам нужно больше разнообразия в цветовой гамме.

Это сочетание смотрится более пёстрым, чем контрастная триада

Если вы задумали использовать один конкретный цвет и хотите подобрать к нему ещё два, которые будут кардинально различаться, схема с равносторонним треугольником поможет сделать это быстро и избежать ошибок.

4. Ещё один вариант комбинации из трёх цветов — аналоговая триада. Здесь задействованы цвета, расположенные на круге рядом. Это сочетание без интенсивных контрастов.

Вот пример одного из таких сочетаний

Эта палитра — спокойная и сдержанная. Аналоговое сочетание подойдёт, если вам нужны мягкие переходы между цветами без резких акцентов.

5. Когда трёх цветов недостаточно, можно выбрать четыре. Например, квадрат, наложенный на круг Иттена, образует сочетание тетрады: все четыре цвета гармонируют между собой.

Чем больше требуется цветов, тем труднее их сочетать, но круг Иттена упрощает эту задачу.

По сути, здесь представлено сочетание из двух пар дополнительных цветов. Сочетание четырёх цветов в тетраде позволяет создавать красочное и разнообразное изображение.

6. Ещё одно сочетание двух пар комплементарных цветов — прямоугольная схема. В отличие от тетрады, здесь сочетаются более близкие оттенки.

Такая схема даёт много вариантов сочетаний.

Если нужно четыре цвета, но не требуется такой широкий спектр, как в квадратной схеме, то этот вариант подойдёт. Здесь будет достигнут контраст за счёт сочетания комплементарных пар, но сами эти пары ближе друг к другу на спектре.

Что делать с тысячами других оттенков

В круге всего 12 цветов, а дизайнеру приходится оперировать бесчисленным множеством оттенков. Круг Иттена — это упрощённая схема, а не полноценное решение. Но её можно использовать и более широко.

Представим, что нужен контраст к бирюзовому. На круге его нет, но мы понимаем, что этот цвет — зелёно-голубой. Значит, контрастный цвет на круге будет максимально удалён от границы этих двух цветов. Максимально удалённая точка — граница между красным и красно-оранжевым. Смешение этих цветов будет контрастно к бирюзовому.

Так будут размещаться эти цветовые оттенки на схеме.

А уж какой именно оттенок бирюзового и красно-оранжевого выбрать — это работа дизайнера. Кстати, есть ещё два параметра: насыщенность и яркость. Цвет может быть бледным или сочным, тёмным или светлым. Например, красный бывает совсем ненасыщенным, то есть розовым. Или очень тёмным, бордовым. Это тоже влияет на восприятие картинки.

Автоматические инструменты для выбора палитры

Технологии облегчают жизнь современным дизайнерам и художникам. Например, подобрать сочетание конкретных оттенков можно на расширенном цветовом круге. Он позволяет точно задать тон, насыщенность, яркость и найти подходящие цвета, используя те же самые схемы круга Иттена, которые мы рассмотрели.

Для более сложной работы с множеством цветом есть удобный инструмент у Adobe. Он основан на таких же правилах сочетания, но позволяет быстро редактировать параметры каждого цвета в палитре и смотреть, как от этого меняется гармоничная гамма.

Что делать дальше

Круг Иттена помогает быстро подбирать подходящие сочетания для разных случаев. В бумажной или цифровой версии им пользуются как новички, так и опытные дизайнеры и художники. Это полезный инструмент, который упрощает работу. Конечно цветовосприятие можно тренировать и научиться подбирать цветовые сочетания самостоятельно. Со временем появится навык, позволяющий не зависеть от наличия схемы под рукой.

Введение в тему "Этюд натюрморта"

Содержание:

  1. Что такое живопись.

  2. Виды живописи.

  3. Жанры живописи.

  4. Цвет – язык живописи.

  5. Из истории натюрморта.

  6. Как ставить натюрморт.

  7. Последовательность выполнения натюрморта.

  1. Что такое живопись.

«Живопись - это художественное изображение предметного мира на плоскости посредством цветных материалов».

«Живопись один из важнейших видов изобразительного искусства, в котором задачи образного отражения, истолкования и познания явлений и предметов объективной действительности решаются цветом, непрерывно связанные с рисунком. Произведения живописи создаются красками (масляные, водяные, восковые, клеевые и пр.), которые наносятся на поверхность холста, штукатурки, бумаги, на керамическую поверхность и т.д.»

Итак, что такое живопись? Казалось бы, каждый знает ответ на этот несложный вопрос, но вот сформулировать ответ не всем под силу. Ведь у любого человека имеется свое, отличное от других понятие об этом явлении. Если спросить у прагматика, что такое живопись, он, скорее всего, скажет, что это воспроизведение окружающей действительности при помощи различных красящих средств. То есть для практичного человека в этом действии участвует, прежде всего, рассудок, при помощи которого четко выверенными линиями и раз и навсегда усвоенной техникой ремесленник создает свои «шедевры».

Знатоки всегда именовали подобные творения «низшим стилем» декоративного изображения.

Историк на вопрос: «Что такое живопись?» - ответит, что это одно из самых важных древнейших искусств, которое зародилось еще на заре времен. И если сначала первобытные люди переводили на камень, дерево или бронзу исключительно овеществленные предметы, то позже, во времена Древнего Египта, стали изображать мысли и чувства. Тогда же появился символизм в живописи – искусство показывать явление или объект образно

Художник же, как и любой другой человек, способный тонко чувствовать и понимать суть вещей, на вопрос: «Что такое живопись?» - ответит, что это искусство, способное передавать особое видение реального мира и воздействовать на чувства окружающих людей.

Расцветом живописи стала эпоха Возрождения, которая подарила миру таких великих мастеров, как Тициан, Боттичелли, Мазаччо, Рембрандт, Вермеер и многих других. После того как закончилось их время, критики не раз ставили изобразительному искусству диагноз «упадок и безвкусие». Однако проходили годы, и уже новых художников возводили на пьедестал почета, таких как Матисс, Ренуар, Пикассо, Айвазовский и еще целый легион последовавших за ними.

Изобразительное искусство живо и теперь, например, современная живопись маслом представлена полотнами Джона Маркозе, Роберта Зеллера, Джери Винкса. Современная живопись России тоже может похвастаться такими именами, как Антон Семенов, Георгий Дмитриев, Балакшин Евгений, так что в нашей стране это искусство еще актуально. Зачем нужна живопись в век электроники и всевозможных видеоустройств? Возможно, скоро это искусство перестанет существовать? Думаю, нет, как не умерли книги, театр, опера и балет. Скорее всего, живопись останется уделом определенного числа знатоков, а также состоятельных людей. То есть ничего не поменяется, так как это высокое искусство всегда было только для элиты и круга ценителей.

  1. Виды живописи.

Живопись подразделяют на монументальную, декоративную, театрально - декорационную, миниатюрную и станковую.

Монументальная живопись - это особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений. Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает, содействуя воспитанию людей в духе патриотизма, прогресса и гуманности. Возвышенность содержания монументальной живописи, значительные размеры ее произведений, связь с архитектурой требуют больших цветовых масс, строгой простоты и лаконизма композиции, ясности контуров и обобщенности пластической формы.

Декоративная живопись применяется для украшения зданий, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию прорыва стены, зрительного увеличения размеров помещения или, напротив, нарочито уплощенными формами утверждают плоскостность стены и замкнутость пространства. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи и скульптуры, связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая их красоту, согласованность с архитектурой.

Театрально-декорационная живопись (декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника) помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия декорации требуют учета множества точек зрения публики, их большой удаленности, воздействия искусственного освещения и цветных подсветов. Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.

Миниатюрная живопись получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально проработанными иллюстрациями-миниатюрами. Живописной техникой миниатюры русские художники первой половины XIX века искусно пользовались при создании небольших (главным образом акварельных) портретов. Чистые глубокие цвета акварели, их изысканные сочетания, ювелирная тонкость письма отличают эти портреты, полные изящества и благородства.

Станковая живопись, выполняемая на станке - мольберте, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина, являясь самостоятельным произведением, может изображать решительно все: фактическое и вымышленное художником, неодушевленные предметы и людей, современность и историю - словом, жизнь во всех ее проявлениях. В отличие от графики станковая живопись обладает богатством цвета, который помогает эмоционально, психологически многогранно и тонко передать красоту окружающего мира.

По технике и средствам исполнения живопись подразделяется на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, пастельную. Названия эти получились от связующего вещества или от способа применения материально-технических средств.

  1. Жанры живописи.

Произведения изобразительного искусства, главным образом живопись, делятся по жанрам. 
В зависимости от предмета изображения в XVII в. жанры делили на "высокий" (grand genre) и "низкий" жанр (petit genre). К "высокому" жанру относили исторический жанр: батальный, аллегорический, религиозный и мифологический; к "низким" - сцены из повседневной жизни: портрет, пейзаж, натюрморт, анимализм. 
Став формой отображения жизни, жанры живописи не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства. Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (например: ванитас, каприччо и ведута), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (например, внутри пейзажного жанра появились городской пейзаж, морской пейзаж и интерьер), а некоторые объединяются (сейчас ню, бытовой, исторический, мифологический, аллегорический, религиозный и батальный жанр чаще заменяется термином фигуратив).



Анималистика (произошло от лат. animal - животное), анималистический жанр - жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.





Аллегорический жанр (от греч. allegoria - иносказание) - жанр изобразительного искусства, в котором в художественное произведение закладывается скрытый и тайный смысл. В этом жанре трудно изобразимые идеи (например добро, сила, власть, справедливость, любовь и т.д.) показываются иносказательно через изображения живых существ, животных или человеческих фигур с атрибутами, за которыми исторически закрепился символический, легко читаемый смысл. Аллегорический жанр наиболее характерен для искусства Возрождения, маньеризма, барокко, классицизма.







Батальный жанр (произошло от фр. bataille - битва) - жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы, воспевающий воинские доблести, ярость сражения, торжество победы.

Былинный жанр - жанр изобразительного искусства, в котором изображаются сцены из былин и народного фольклора.

Бытовой жанр (жанровая живопись) - жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.





Ванитас (от лат. vanitas, букв. - «суета, тщеславие») - жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута - жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи - венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцы Ф.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Городской пейзаж (архитектурный пейзаж) - жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Завтрак - подвид жанра натюрморт в голландском натюрморте XVII в. 
Завтрак - изображение накрытого стола со скромным набором предметов трапезы и домашней утвари.

Интерьер (произошло от фр. intérieur - внутренний) - жанр, в котором предметом изображения является изображение внутреннего вида помещения.

Иппический жанр (произошло от греч. hippos - лошадь) - жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр - жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо (произошло от итал. capriccio, буквально - каприз, прихоть) - архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.


Карикатура (произошло от итал.caricare - преувеличивать) - особый жанр изобразительного искусства, объединяющий изображения, в которых: сознательно создается комический эффект; соединяется реальное и фантастическое; преувеличиваются и заостряются характерные черты фигуры, лица, костюма, манеры поведения людей и др.

Мифологический (от греч. mythos - предание) - жанр изобразительного искусства, посвященный героям и событиям, о которых рассказывают мифы и легенды древних народов

Морской пейзаж (марина) (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus - морской) - жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра - И.К.Айвазовский(1817-1900).

Натюрморт (в переводе с фр. - мертвая, неодушевленная натура) - это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта - фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.


Ню (произошло от фр. nu - нагой, раздетый) - один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Обманка - один из жанров изобразительного искусства, характерной чертой которого являются особые приемы перспективной живописи, которые создают эффект обмана зрения, стирают грань между реальностью и изображением.



Охотничьи трофеи, охотничий натюрморт - олицетворение голландского натюрморта XVII-XVIII веков. 
Жанр Охотничьи трофеи был связан с модой на охоту богатой буржуазии и аристократии. 
Самыми крупными мастерами охотничьего натюрморта были Мельхиор де Хондекутер и Ян Баптист Веникс. Почти во всех натюрмортах Хондекутера рядом с битой дичью изображены живые звери, что делает картины необыкновенно выразительными и динамичными. Веникс очень часто показывал дичь на фоне парков. Благодаря сопоставлению зелени деревьев и теплых оттенков шерсти животных и оперения птиц изображение становилось необыкновенно выразительным и красочным.

Парсуна (от лат. persona - личность, особа) - условное наименование произведений русской портретной живописи XVII в. - переходная между иконой и светским произведением форма портрета.

Пастораль (произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) - жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Пейзаж (произошло от фр. paysage - страна, местность) - жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа.

Портрет (произошло от фр. слова portrait) - это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Религиозный жанр, религиозная живопись - жанр изобразительного искусства, основными сюжетами которого являются эпизоды из Библии и Евангелия.

Сюжетно-тематическая картина - смешивание традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.), возникшее в советском искусствознании и в художественной практике 1930-х гг



  1. Цвет – язык живописи.

Живопись – это такой вид изобразительного искусства, в котором цвет играет главную роль.

Наука о цвете (цветоведение, или колористка) помогает художникам лучше понять особенности цвета, использовать его в живописи, применить в декоративном искусстве. Цветоведение, как наука о цвете, включает сведения о природе цвета, основных, составных и дополнительных цветах, основных характеристиках цвета, цветовых контрастах, смешении цветов, колорите, цветовой гармонии, цветовом языке и цветовой культуре. Она опирается на физические основы цвета, психофизиологический фундамент его восприятия и одновременно учитывает представления общества о культуре цвета.

Цветоведение — наука молодая, определившаяся как самостоятельная отрасль знаний лишь в прошлом столетии.

Цветоведение изучает и раскрывает основные закономерности в области цветовых явлений природы, объясняет их с точки зрения физической, химической, физиологической, эстетической и обобщает эти закономерности. Данная наука, например, помогла сформулировать ряд законов оптического смещения цветов, их контрастного действия и изменения под влиянием других, соседних с ними, цветов. Цветоведение охватывает обширные области разных научных знаний. Так, физика учит, что в основе цветовых явлений лежат световые волны различной длины, что они преломляются, отражаются и поглощаются. Различное поглощение световых волн обусловливает различную окраску предметов. С помощью химии стало возможным изготовление красок на основе изучения состава и строения красящих веществ. Психофизиология нашла объяснения эмоциональному действию цветов. Эстетика изучает законы гармонизации (согласования цветов), объясняющие нам, почему одни цвета нам нравятся, а другие производят неприятное впечатление. Таким образом, мы видим, что цветоведение объединяет все эти знания о цвете и систематизирует их в единое целое.

Знание основ цветоведения необходимо многим специалистам, которые по роду своей творческой и производственной деятельности имеют дело с цветами, красками, расцветками, орнаментами. Эти знания помогают специалистам, занимающихся отделкой зданий и помещений, создающим художественные произведения искусства и предметы народного потребления, разобраться во многих процессах, связанных с цветами. Изучение цветоведения в свою очередь дает возможность и учащимся детских художественных школ, и специалистам-педагогам расширить и углубить свои знания, повысить мастерство.

При выполнении практических заданий на занятиях по живописи и композиции ученики сталкиваются с проблемами, связанными с использованием цвета. Дети испытывают трудности при разработке общего цветового решения композиции. При выборе цвета для выражения определенной темы отдельные детали сложно освободить от привычных колористических ассоциаций. В процессе обучения живописи встает проблема решения взаимодействия «цвет — форма — свет — пространство». Много времени требует поиск гармоничного сочетания заданных цветов. Не владея свободно техникой работы различными видами художественных красок, ученики не могут выполнить работу быстро и на высоком уровне, тем более, что темы и практические задания на последующих уровнях обучения усложняются.

Таким образом, изучение теории цвета, овладение принципами цветовой гармонии — неотъемлемая и важная часть обучения учащихся детских художественных школ.

  1. Из истории натюрморта.

Натюрморт (фр. Nature morte – буквально мертвая натура) – один из жанров

изобразительного искусства, посвященный воспроизведению

предметов обихода, снеди (овощи, мясо, битая дичь, фрукты),

цветов и пр. Художник передает в натюрморте не вещи сами по

себе, а старается выразить отношение к ним человека

определенной эпохи. Сложившись в самостоятельный жанр

к 17в., натюрморт плодотворно развивается и в творчестве

современных мастеров.

Впервые натюрморт появился в Голландии в начале 17века. Это было время, когда голландцы после тяжелой борьбы с испанскими завоевателями получили независимость. Теперь они свободно плавали по морям и торговали со всем миром. Голландия стала одной из самых богатых стран в Европе. После трудных и долгих лет войны люди острее и тоньше ощутили окружающий мир, очарование природы. Они любовались предметами, среди которых протекала жизнь. Это было время расцвета голландского искусства. И особенно искусства натюрморта.

Умение видеть красоту в обыденном было свойственно голландским художникам. Они вдохновенно писали на своих полотнах посуду, ткани, прекрасные земные плоды, вино, поблескивающее рубиновыми оттенками в бокалах. Очень часто натюрморты назывались завтраками: « Завтрак с цыплёнком» или « Завтрак с ветчиной и персиками». Натюрморты, написанные когда-то художниками, рассказывают нам не только о вещах. Они говорят о жизни и быте их владельцев, об их привычках. В умелой компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей ( недаром голландцы называли натюрморт «still leven» - тихая жизнь). В Голландии были натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а во Фландрии писали на огромных холстах горы дичи, рыбы и цветов.

Натюрморты 17 века предлагают внимательному зрителю проникнуть в чудесный мир, созданный живописцем из умело подобранных предметов – скромные голландские «завтраки», роскошную фламандскую снедь, либо меланхолические картины «Vanitas», посвященные быстротечности жизни.

Натюрморт голландского живописца Питера Класса «Опрокинутый кувшин и другие предметы на скатерти» : предметы неустойчивы, все подчинено замыслу художника передать бытие предметов в утекающем времени, размышление о вещи, постепенно изменяющейся и приходящей к концу : свеча сгорает, бокал разбивается, от орехов остается одна скорлупа, а рассыпающийся пепел напоминает о бренности мира и человеческой жизни. На картине Хеды «Завтрак с ежевичным пирогом» справа помещены карманные часы, воплотившие в себе неостановимый ход времени. В «Натюрморте с золотым бокалом» П.Класа часы лежат на столе рядом с традиционными символами бренности – раковинами, представляющими пустую мертвую скорлупу, из которой давно ушла жизнь, и драгоценным кубком. 17 век получил название «золотого века» натюрморта. Проникнув в замысел картины, мы увидим воплощенную в красках мысль художника о бытии предмета в неостановимом потоке времени, возведенную до мысли о человеке и судьбе.

18 век не был веком натюрморта. По мере того, как изобразительное искусство становится все более разговорчивым,(складывается даже особый жанр – «разговорной сцены»), натюрморт умолкает. Изображенные вещи перестают быть знаками иного, они словно входят в свои естественные габариты, утрачивают свою бытейность, становятся просто предметами быта. Из всех художников 18 века только для Шардена натюрморт был важной областью творчества. В его картинах есть строгая композиционная поставленность, но нет сюжетной драматургии. Вещи не вступают друг с другом в молчаливый разговор, они не поучают, не предупреждают, они не требуют разгадки. Натюрморты 17 века всегда ритуальны – будь то религиозный или светский ритуал. Натюрморты Шардена лишены ритуальности, они нарочито естественны – «Медная посуда».

18 век освобождает вещи от их смысловой и образной многомерности, философских и религиозных раздумий о жизни и смерти.

19 век вплоть до середины столетия натюрмортом мало интересовался. Но именно в последней трети его, возникает импрессионистический натюрморт, который определит судьбу этого жанра в искусстве 20 столетия. В «Натюрморте с дыней» Э.Мане фрукты почти неузнаваемы: дыня похожа на развесистый куст, виноград на куртину травы. Реакцией на этот процесс было искусство Сезанна, его стремление вновь собрать вещь, вернуть ей первоначальную материальность и форму. В «Натюрморте с вазой», в отличие от долевого взгляда импрессионистов, вещь увидена вблизи. Вновь обретенная форма словно ощупывается со всех сторон, художник показывает ее снизу, сверху, стремясь убедиться в реальности и незыблемости ее предметности. В натюрморте «Яблоки и груши» нет фактуры яблок, груш, есть фруктообразные сгустки единой материи. И все же, как это не парадоксально, Сезанн, пусть по – другому, чем импрессионисты, продолжает развеществлять предметы. Импрессионисты растворяли их в свете; у Сезанна они принимают характер всематериальности, всеоформленности, но теряют свои имена, свою самость.

Развитие натюрморта 20 столетия имеет сложный сценарий. Одна из линий , идущая от Сезанна, - постепенная утрата вещами их «жизненного пространства» в пределах изобразительного поля картины. Особенно выразительно – у Н.Гончаровой в ее «Натюрморте с портретом и белой скатертью», где овощи и фрукты в буквальном смысле готовы упасть со стола, исчезнуть вместе со скатертью, словно спасаясь от взгляда странной фигуры, сидящей в глубине картины. У Штеренберга стол, на котором располагается натюрморт, увиден сверху, при этом его горизонтальная поверхность превращается в вертикальную, и все предметы, словно намагниченные, держатся на этом вывернутом или опрокинутом столе, («Натюрморт с конфетой»). Другая , тоже идущая от Сезанна линия – это присущая его натюрмортам агрессивность форм. На современников они произвели впечатление «свирепой , подавляющей силы». В натюрмортах Машкова, Кончаловского предметы прут из полотна на зрителя «весомо, грубо, зримо». В «Хлебах» Машкова буханки хлеба похожи на тараны, есть в них что-то угрожающее.

Но в 20 веке натюрморт переживает еще одну, может быть, самую беспощадную метаморфозу: совершается распад, раздробление предмета, его формы, даже его силуэта, его контура – наиболее важных его признаков. В натюрморте с бутылкой Пикассо предмет расчленяется на отдельные плоскости, начинает на глазах распадаться, и художник строит из этих освободившихся плоскостей совсем иной, беспредметный предмет, в котором отдельные его части остаются лишь как воспоминание о прежней, некогда существовавшей вещи( «Столик в кафе»).

  1. Как ставить натюрморт.

Нередко успехи в учебе зависят от умения выбрать натуру, организовать постановку, определить доступную цель задания. Поэтому каждому юному художнику немаловажно знать и подмечать закономерности гармонии как в действительности, так и в произведениях искусства. Одно из условий удачной работы - привлекательность натуры. Эмоциональная сторона играет важнейшую роль в учебе, вызывает творческое отношение к процессу рисования. Скучное задание быстро утомляет, появляется желание поскорее и как попало завершить работу.

Ставя натюрморт, мы можем менять и перемещать предметы, драпировки, освещение до тех пор, пока композиция, цветовое, световое и тональное решение не удовлетворят полностью.

Работая с предметами и драпировками, вы учитесь композиции. И если будете при этом наблюдательны и внимательны, то сможете многому научиться. Творческий процесс начинается не с первых штрихов карандаша или мазков кисти, а с задумывания постановки натюрморта. Специфика учебного натюрморта в том, что он призван поэтапно решать изобразительные задачи от простого к сложному. По мере их нарастания усложняются натюрморты. Но принцип создания – облегчить учащемуся передачу объемно - пространственных, цветовых, тональных и композиционных качеств натуры – остается.

Есть общие правила постановки натюрморта. Предметы должны иметь смысловую связь. Композиционный центр всегда хорошо выражен (обычно он находится на втором плане). Часто учебная постановка организуется по принципу подчинения какой-нибудь геометрической форме ( этот способ композиции был известен художникам с древнейших времен, им пользовались многие мастера), чтобы предметы вписывались в треугольник, прямоугольник, квадрат, круг, овал. Композицию можно развернуть по горизонтали, вертикали, по диагонали, причем натюрморт смотрится лучше по возрастающей слева на право – как мы привыкли читать. Зрительное поле человека ограничено некоторой овальной формой, предметы скомпонуются в натюрморте, если войдут в этот овал.

При постановке натюрморта ищите гармонию и уравновешенность масс, внутреннюю связь предметов, драпировок и цвета. При этом надо иметь в виду не только сами вещи, но и промежутки между ними, часть окружающего пространства.

Готовых рецептов и формул учебных заданий нет и быть не может. Это целиком зависит от творческой способности живописца, от его чутья и умения гармонично распределить детали, задумать общую колористическую гамму в зависимости от задачи.

На начальном этапе выбираем простые формы, разнообразные по цвету, материалу, соразмерные друг другу предметы. Что значит соразмерные друг другу предметы? Рядом с крупными вещами нельзя ставить очень мелкие. Нужны какие-то промежуточные по величине объекты, которые связывают эти массы.

Натюрморты из двух-трех предметов быта ставятся относительно легко. Основную трудность представляет «построение пространства», которое не должно быть глубоким (обычно трехплановое), ведь в этом случае значительно сложнее передать форму натуры. Созданию впечатления глубины и объема в живописи можно помочь еще на этапе задумывания постановки. Ближе воспринимаются предметы, теплые по цвету, яркие, контрастные, детально проработанные. Холодные, нейтральные и обобщенно прописанные воспринимаются относительно первого плана как бы уходящими в глубину.

Начинающему живописцу приходится решать целый комплекс изобразительных задач. Он еще не в состоянии уловить тональные нюансы, у него не развито и цельное видение, поэтому особенно важно, чтобы натюрморт был хорошо и понятно организован.

Первый план требует детальной проработки. Ставим сюда предметы яркие, контрастные, мелкие: например, ветку рябины, винограда, сливы, грибы на однотонную драпировку без складок или с простыми складками. На втором плане – композиционный центр натюрморта. Это обычно самый крупный. Главный объект и уравновешивающие его предметы средней величины (лучше, если они будут однотонные). Предметы эти пишутся широко, боле обобщенно, чем первый план. И наконец, фон.

В учебной постановке фон не должен быть активнее предметов. В первых натюрмортах лучше применять нейтральные тона: сероватые, серовато-зеленые. Серо-голубые. Они обладают способностью согласовываться с более активными тонами, частично примешиваясь к ярким. Применение таких драпировок в натюрморте облегчает поиск гармоничной гаммы. Особенность же нейтрального фона состоит в том, что на него сильно действуют оттенки предметов натюрморта и если его написать одним локальным цветом, например серым, то фон будет казаться чужим рядом с предметами.

Гармония различных оттенков, созвучных основному цвету, определяет колорит натюрморта. Колористическая гамма может быть заданной .

Велика роль драпировок. Не только служащих основным фоном, но и помогающих увязать предметы пластически. Складки и направление драпировок желательно уложить так, чтобы они замыкали изображенное пространство, направляли взгляд зрителя к центру композиции.

Освещение также важный момент в живописи, идеальным является дневное, но оно не постоянно. Для учебы подходит электрическое.. для каждой постановки надо искать наиболее выразительное освещение; чем четче разграничение светотени на поверхности предметов, тем лучше читается форма. Хорошие эффекты дает верхнее и боковое освещение.

Высота горизонтальной плоскости тоже очень важна. Не следует садиться очень далеко и близко к постановке. Расстояние от рисующего до натюрморта должно быть равно примерно 2-3 величинам постановки.

Не ищите для учебных заданий каких-то особенных предметов. Простая посуда домашнего обихода сослужит прекрасную службу, постарайтесь увидеть красоту обыкновенных вещей, которые окружают нас каждый день.

  1. Последовательность выполнения натюрморта.

Работа над натюрмортом разделяется на несколько этапов. Сначала определяют размещение натюрморта на листе бумаги, т. е. создают композицию листа. Для этого на одном листе делают несколько вариантов зарисовок небольшого размера, стараясь понять, как распределяются свет и тень на всех предметах, где расположены наиболее освещенные и наиболее затемненные участки натюрморта. Отмечают также, какие предметы составляют передний план, какие отходят в глубину, какой предмет является самым темным, какой самым светлым. 

Затем выполняют рисунок постановки на основном листе. В акварельной живописи рисунок не передает детально свет и тень предметов, а играет вспомогательную роль — указывает границы формы, которая в результате работы цветом кажется объемной и материальной. Выполнять рисунок можно карандашом или углем, чтобы его легко можно было ослабить, не повреждая поверхность бумаги, которая имеет очень большое значение для акварельной живописи. В рисунке выявляют общую форму, пропорции предметов, намечают основные границы света и тени объемной формы, отмечают участки бликов. Сделав рисунок и смочив бумагу водой, чтобы она не была жирной, приступают к выполнению натюрморта. 

Начинают с обобщенной передачи объемов предметов. Находят цвета предметов и фона, определяя основные цветовые отношения в натюрморте. Цвета, полученные смешением красок, проверяют на палитре. При необходимости цвета уточняют. Найденные цвета накладывают крупными пятнами на соответствующие места рисунка натюрморта. Каждый цвет сравнивают с остальными и при необходимости уточняют. Цвета начинают накладывать чаще всего со светлых мест предметов, потом переходят к более темным, затем к самым темным, в нужных местах делая плавный переход от светлого цвета к более темному соответствующим приемом письма. Там, где надо, цвет усиливают повторным наложением. Таким образом отношения цветов в акварельной работе постепенно подводят к натуре. Накладывая цвет тени, выделяют цвет рефлекса, а на освещенной части — блик. 

Определив основные цветовые отношения постановки, переходят к детальной проработке объемных форм. Крупными мазками довольно густым раствором краски уточняют цвет света, тени, полутени, рефлекса. Надо следить за тем, чтобы не пересветлить цвет освещенной части. Для этого сравнивают его с белым листом бумаги, на котором рисуют. Для передачи объема одного предмета посредством постепенного перехода цвета от светлого к темному можно использовать прием письма «по сырому». 

Для передачи объемности предмета нужно сравнивать светлоту и насыщенность цвета на свету и в тени каждого предмета. Живописное решение пространства передается перспективным изменением цвета. Предметы, расположенные ближе к зрителю, выделяют четче, в них яснее видны все детали формы, все переходы цвета на объеме. Чем дальше от зрителя находится предмет, тем в большей степени он теряет светлоту и насыщенность цвета и тем меньше становится контраст света и тени. Выделяя планы натюрморта, надо все время сравнивать между собой цвета предметов, расположенных на разном расстоянии от зрителя. Если все же предметы, расположенные дальше, слишком выступают вперед, необходимо уменьшить насыщенность их цветов, смягчить контуры их формы или усилить цвет предметов переднего плана. 

Впечатление глубины пространства в натюрморте зависит и от трактовки фона, на котором находятся предметы. Поэтому к работе над фоном надо относиться очень внимательно. Цвет фона все время сравнивают с цветом предметов. Особую сложность представляет фон светлого цвета с большой насыщенностью, который может сильно выступать вперед. При таком фоне лучше всего взять для постановки предметы, контрастирующие с ним по цвету. Контраст будет способствовать выявлению цвета и формы предметов, обогащать живописное решение всего натюрморта, выделять положение предметов на первом плане. 

Передавая детально цветовые и тоновые отношения натуры, достигают тем самым передачи материала. Для этого нужно разнообразить технику наложения мазков, т. е. класть их то крупнее, то мельче, меняя при этом направление мазков в зависимости от формы и материала предмета. Заканчивают натюрморт обобщением отдельных оттенков цветов, подчиняя их всем другим цветам. Этим добиваются целостности впечатления от постановки. Последние мазки лучше делать прозрачными и яркими красками. Выполняя натюрморт в живописи, важно все время правильно видеть натуру: цельно — при определении общих цветовых отношений и в конце выполнения работы, конкретно — при проработке деталей, т. е. следовать принципам «от общего к частному» и «от частного к общему». Это поможет найти и передать в живописи связь между предметами по цветовому тону, светлоте, насыщенности цвета, их пространственному размещению. 

Выполнять живописную работу акварелью можно разными методами. Например, сначала можно прописать весь этюд цветом, не полностью насыщенным, а затем довести насыщенность всех цветов до соответствия натуре. При выполнении этюда цвет можно взять сразу полностью насыщенным, с тем чтобы в дальнейшем оставить его нетронутым. В этом случае этюд пишут по частям, цвета подбирают осторожно, обдуманно и кладут «начисто». Этот метод работы требует значительного опыта и умения. В одной работе можно использовать разные способы акварельной техники живописи: «по сырому», «по сухому», «алла прима», лессировку. Для изображения предметов, расположенных на переднем плане, чаще используют технику «по сухому», а предметы, находящиеся на дальнем плане, пишут техникой «по сырому». 

Работая над различными натюрмортами, в которых сопоставляются разные по материалу и фактуре предметы — твердые, мягкие, матовые, блестящие, прозрачные, плотные, легкие, тяжелые и т. д., познают их красоту и приобретают необходимый опыт в их изображении, изучают разные способы акварельной техники живописи, вырабатывают навыки выполнения сложных живописных работ, таких как изображение головы человека, фигуры человека, обнаженной и в одежде.

Этюды натюрморта.

Общие сведения о живописи. Понятия локальный цвет предмета, цвет рефлекса, колорит в живописи,

воздушная перспектива. Последовательность работы над рисунком, живописным натюрмортом  с передачей цветовых отношений между предметами объемной формы и фоном.

Передача цветом объемов предметов и пространства в натюрморте.

Практическая работа

Выполнение натюрморта, состоящего 3-4 предметов на фоне драпировки.

Следуя примеру натюрморта. Поставьте составьте свой натюрморт из 3 - 4 предметов быта (кувшин или чайник, чашки, овощи, фрукты или что то подобное) на ткани - драпировки.

На формате А2 (полватмана) следуя поэтапному рисунку,  выполните натюрморт гуашью

Вам понадобятся: гуашь "Мастер класс" или "Сонет", кисти синтетика щетина разной толщины, от тонкого до широкого

кисти №2, №6, №12 примерно

Основная последовательность живописного исполнения натюрморта

 
Правила:
 
1. Необходимо отнестись к занятиям с максимальным вниманием и за­пастись терпением.
 
2. Желательно, чтобы занятия живописью были регулярными, это по­может обеспечить постоянный рост профессиональных знаний и на­выков.
 
3. Изобразив карандашом, натюрморт в общих очертаниях, переходим к его красочному исполнению.
 
4. Краски, которые вы наносите бумаге, могут быть по своему состоя­нию жидкими, полужидкими или густыми. В процессе своей ра­боты над натюрмортом, применяя кисти, вы проанализируете, как от степени жидкости краски зависят ее живописные свойства.
 
5.  Каждая краска набирается  в небольшом количестве и кла­дется на белую палитру в определенном порядке.
 
6. Затем на палитре подбираются нужные цвета и оттенки и составляют­ся красочные смеси. Старайтесь не смешивать более трех красок.
 
7.  Подобранные смеси прописывайте на белой бумаге, чтобы предвари­тельно проверить качество оттенка, который нужно внести в картину.
 
8. Найдя нужный цвет, положите его в картине так, как вы ощущаете его в натуре.
 
9. Прежде чем набрать на кисть новые цветовые оттенки, кисть необхо­димо тщательно прополоскать в воде.
 
10.  Красочные мазки накладываются на плоскость бумаги иногда кон­чиком кисти, но в основном исполнение картины ведется почти всей плоскостью меха кисти.
 
11.  Не следует по одному месту  бумаги  несколько раз про­кладывать краску, ибо это приводит к образованию грязных пятен в картине.
 
 
В работе цветом большое значение имеет хороший набор красок и хорошее знание своего набора красок. 
 
12. Важно, вести всю работу одновременно, т.е. соблюдая отношения цветовых тонов разных предметов и тем самым, стремясь установить на изображении верные тональные отношения.
 







 
Первый этап. Создаем верную цветовую настроенность.
 
  1. Вначале в картине прокладываются небольшие красочные пятна, пе­редающие основной цвет каждого из предметов, цвет драпировок, то есть тканей, натюрморта.
  1. Начинается живописное исполнение картины с первого плана, с самого яркого предмета, который является цветовым центром всей компози­ции картины; постарайтесь на последнем этапе  поподробнее прорисовать его.
  1.  Блики в первых этапах работы цветом должны оставаться не прокрашенными.
  1.  После прокладки самого яркого предмета первого плана пишите сле­дующий за ним предмет, являющийся для него фоном. В цветовом отношении пишите окружение предмета первого плана таким, каким оно вам кажется, методом сравнения.
 
Второй этап. Уточняются основные тональные и цветовые отношения, выявляется форма предметов.
 
Этот этап работы над натюрмортом является наиболее продолжительным. Серьезное внимание в работе следует уделить установлению взаимного влияния цвета предметов друг на друга в зависимости от освещения. Нужно подвергнуть глубокому анализу цвет рефлексов и теней, которые в общем должны быть противоположны холодному свету, т.е. должны быть в целом теплыми (при естественном освещении).
 
  1. Запомните, по сравнению с рисунком в живописи цветовому характеру света, падающего на предметы, противоположен цветовой тон тени этого предмета:
если освещение естественное (из окна, на улице – без солнца),то свет на предметах будет холодный, а тени теплые,
если освещение искусственное (лампа, костер), то свет на предметах будет теплый, а тени холодные.
 
       2.   Необходимо усвоить, что тени предметов цветные. Другими словами, это цветовые тона, которые зависят от цвета и характера поверхности самого предмета, от цвета соседних предметов, рефлексирующих поверхностей и в значительной степени от характера освещения.
 
Третий этап заключительный. Синтез – подведение итогов над работой.
В основном направлен окончательный анализ цветовых и тональных отношений, на приведение всего рисунка к целостному единству, которое во многом зависит от передачи освещенности на рисунке.  
 
  1.  В ходе работы по уточнению формы изображаемых предметов возникает много вопросов такого порядка: какие места целесообразнее оставить, какое место дополнить и каким именно цветом или его оттенками. Чтобы предмет получил желаемую светосилу, цветовой оттенок, нужно уточнить и даже изменить цветовой тон соседних предметов. Это нужно делать осторожно, чтобы вместе с вновь полученными цветовыми пятнами они создавали правильную передачу цветовых отношений натуры.
  1. Работа на завершающем этапе ведется  в основном небольшими мазками. На предметах переднего плана мазки должны быть в более определенных контурах и красках. Контуры дальних предметов как бы сливаются с фоном. В результате появиться воздушность и прозрачность удаленных предметов.
Умение вести длительную, кропотливую работу над живописной карти­ной будет приходить к вам по мере усвоения многих основных законов и правил искусства живописи, после того как вы научитесь видеть и исправ­лять свои ошибки.
 
Следует помнить, что расстояние от постановки натюрморта до рисующего обычно составляет от 1,5 до 2 м. Рисующий всегда садится так, чтобы видеть натуру без искаже­ний, то есть «лицом к лицу» (фронтально).
 
Постановка натюрморта и бумага, на котором вы ведете , изображение, должны быть освещены единым общим светом. Нель­зя допускать ситуации, когда, например, постановка натюрморта освещается светом из окна, а ваш холст (бумага) освещены элект­рическим светом от торшера, стоящего рядом. Ибо каждое осве­щение имеет свой определенный оттенок и поэтому по-разному окрашивает окружающее пространство, что вносит большую пу­таницу в цветовые оттенки картины начинающего художника.
 
 Примерные  рисунки  натюрмортов