Информация о курсе

Введение в тему "Этюд натюрморта"

Содержание:

1. Что такое живопись.

2. Виды живописи.

3. Жанры живописи.

4. Цвет – язык живописи.

5. Из истории натюрморта.

6. Как ставить натюрморт.

7. Последовательность выполнения натюрморта.

1. Что такое живопись.

«Живопись - это художественное изображение предметного мира на плоскости посредством цветных материалов».

«Живопись один из важнейших видов изобразительного искусства, в котором задачи образного отражения, истолкования и познания явлений и предметов объективной действительности решаются цветом, непрерывно связанные с рисунком. Произведения живописи создаются красками (масляные, водяные, восковые, клеевые и пр.), которые наносятся на поверхность холста, штукатурки, бумаги, на керамическую поверхность и т.д.»

Итак, что такое живопись? Казалось бы, каждый знает ответ на этот несложный вопрос, но вот сформулировать ответ не всем под силу. Ведь у любого человека имеется свое, отличное от других понятие об этом явлении. Если спросить у прагматика, что такое живопись, он, скорее всего, скажет, что это воспроизведение окружающей действительности при помощи различных красящих средств. То есть для практичного человека в этом действии участвует, прежде всего, рассудок, при помощи которого четко выверенными линиями и раз и навсегда усвоенной техникой ремесленник создает свои «шедевры».

Знатоки всегда именовали подобные творения «низшим стилем» декоративного изображения.

Историк на вопрос: «Что такое живопись?» - ответит, что это одно из самых важных древнейших искусств, которое зародилось еще на заре времен. И если сначала первобытные люди переводили на камень, дерево или бронзу исключительно овеществленные предметы, то позже, во времена Древнего Египта, стали изображать мысли и чувства. Тогда же появился символизм в живописи – искусство показывать явление или объект образно

Художник же, как и любой другой человек, способный тонко чувствовать и понимать суть вещей, на вопрос: «Что такое живопись?» - ответит, что это искусство, способное передавать особое видение реального мира и воздействовать на чувства окружающих людей.

Расцветом живописи стала эпоха Возрождения, которая подарила миру таких великих мастеров, как Тициан, Боттичелли, Мазаччо, Рембрандт, Вермеер и многих других. После того как закончилось их время, критики не раз ставили изобразительному искусству диагноз «упадок и безвкусие». Однако проходили годы, и уже новых художников возводили на пьедестал почета, таких как Матисс, Ренуар, Пикассо, Айвазовский и еще целый легион последовавших за ними.

Изобразительное искусство живо и теперь, например, современная живопись маслом представлена полотнами Джона Маркозе, Роберта Зеллера, Джери Винкса. Современная живопись России тоже может похвастаться такими именами, как Антон Семенов, Георгий Дмитриев, Балакшин Евгений, так что в нашей стране это искусство еще актуально. Зачем нужна живопись в век электроники и всевозможных видеоустройств? Возможно, скоро это искусство перестанет существовать? Думаю, нет, как не умерли книги, театр, опера и балет. Скорее всего, живопись останется уделом определенного числа знатоков, а также состоятельных людей. То есть ничего не поменяется, так как это высокое искусство всегда было только для элиты и круга ценителей.

1. Виды живописи.

Живопись подразделяют на монументальную, декоративную, театрально - декорационную, миниатюрную и станковую.

Монументальная живопись - это особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений. Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает, содействуя воспитанию людей в духе патриотизма, прогресса и гуманности. Возвышенность содержания монументальной живописи, значительные размеры ее произведений, связь с архитектурой требуют больших цветовых масс, строгой простоты и лаконизма композиции, ясности контуров и обобщенности пластической формы.

Декоративная живопись применяется для украшения зданий, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию прорыва стены, зрительного увеличения размеров помещения или, напротив, нарочито уплощенными формами утверждают плоскостность стены и замкнутость пространства. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи и скульптуры, связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая их красоту, согласованность с архитектурой.

Театрально-декорационная живопись (декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника) помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия декорации требуют учета множества точек зрения публики, их большой удаленности, воздействия искусственного освещения и цветных подсветов. Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.

Миниатюрная живопись получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально проработанными иллюстрациями-миниатюрами. Живописной техникой миниатюры русские художники первой половины XIX века искусно пользовались при создании небольших (главным образом акварельных) портретов. Чистые глубокие цвета акварели, их изысканные сочетания, ювелирная тонкость письма отличают эти портреты, полные изящества и благородства.

Станковая живопись, выполняемая на станке - мольберте, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина, являясь самостоятельным произведением, может изображать решительно все: фактическое и вымышленное художником, неодушевленные предметы и людей, современность и историю - словом, жизнь во всех ее проявлениях. В отличие от графики станковая живопись обладает богатством цвета, который помогает эмоционально, психологически многогранно и тонко передать красоту окружающего мира.

По технике и средствам исполнения живопись подразделяется на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, пастельную. Названия эти получились от связующего вещества или от способа применения материально-технических средств.

1. Жанры живописи.

Произведения изобразительного искусства, главным образом живопись, делятся по жанрам. 
В зависимости от предмета изображения в XVII в. жанры делили на "высокий" (grand genre) и "низкий" жанр (petit genre). К "высокому" жанру относили исторический жанр: батальный, аллегорический, религиозный и мифологический; к "низким" - сцены из повседневной жизни: портрет, пейзаж, натюрморт, анимализм. 
Став формой отображения жизни, жанры живописи не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства. Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (например: ванитас, каприччо и ведута), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (например, внутри пейзажного жанра появились городской пейзаж, морской пейзаж и интерьер), а некоторые объединяются (сейчас ню, бытовой, исторический, мифологический, аллегорический, религиозный и батальный жанр чаще заменяется термином фигуратив).

1. Цвет – язык живописи.

Живопись – это такой вид изобразительного искусства, в котором цвет играет главную роль.

Наука о цвете (цветоведение, или колористка) помогает художникам лучше понять особенности цвета, использовать его в живописи, применить в декоративном искусстве. Цветоведение, как наука о цвете, включает сведения о природе цвета, основных, составных и дополнительных цветах, основных характеристиках цвета, цветовых контрастах, смешении цветов, колорите, цветовой гармонии, цветовом языке и цветовой культуре. Она опирается на физические основы цвета, психофизиологический фундамент его восприятия и одновременно учитывает представления общества о культуре цвета.

Цветоведение — наука молодая, определившаяся как самостоятельная отрасль знаний лишь в прошлом столетии.

Цветоведение изучает и раскрывает основные закономерности в области цветовых явлений природы, объясняет их с точки зрения физической, химической, физиологической, эстетической и обобщает эти закономерности. Данная наука, например, помогла сформулировать ряд законов оптического смещения цветов, их контрастного действия и изменения под влиянием других, соседних с ними, цветов. Цветоведение охватывает обширные области разных научных знаний. Так, физика учит, что в основе цветовых явлений лежат световые волны различной длины, что они преломляются, отражаются и поглощаются. Различное поглощение световых волн обусловливает различную окраску предметов. С помощью химии стало возможным изготовление красок на основе изучения состава и строения красящих веществ. Психофизиология нашла объяснения эмоциональному действию цветов. Эстетика изучает законы гармонизации (согласования цветов), объясняющие нам, почему одни цвета нам нравятся, а другие производят неприятное впечатление. Таким образом, мы видим, что цветоведение объединяет все эти знания о цвете и систематизирует их в единое целое.

Знание основ цветоведения необходимо многим специалистам, которые по роду своей творческой и производственной деятельности имеют дело с цветами, красками, расцветками, орнаментами. Эти знания помогают специалистам, занимающихся отделкой зданий и помещений, создающим художественные произведения искусства и предметы народного потребления, разобраться во многих процессах, связанных с цветами. Изучение цветоведения в свою очередь дает возможность и учащимся детских художественных школ, и специалистам-педагогам расширить и углубить свои знания, повысить мастерство.

При выполнении практических заданий на занятиях по живописи и композиции ученики сталкиваются с проблемами, связанными с использованием цвета. Дети испытывают трудности при разработке общего цветового решения композиции. При выборе цвета для выражения определенной темы отдельные детали сложно освободить от привычных колористических ассоциаций. В процессе обучения живописи встает проблема решения взаимодействия «цвет — форма — свет — пространство». Много времени требует поиск гармоничного сочетания заданных цветов. Не владея свободно техникой работы различными видами художественных красок, ученики не могут выполнить работу быстро и на высоком уровне, тем более, что темы и практические задания на последующих уровнях обучения усложняются.

Таким образом, изучение теории цвета, овладение принципами цветовой гармонии — неотъемлемая и важная часть обучения учащихся детских художественных школ.

1. Из истории натюрморта.

Натюрморт (фр. Nature morte – буквально мертвая натура) – один из жанров

изобразительного искусства, посвященный воспроизведению

предметов обихода, снеди (овощи, мясо, битая дичь, фрукты),

цветов и пр. Художник передает в натюрморте не вещи сами по

себе, а старается выразить отношение к ним человека

определенной эпохи. Сложившись в самостоятельный жанр

к 17в., натюрморт плодотворно развивается и в творчестве

современных мастеров.

Впервые натюрморт появился в Голландии в начале 17века. Это было время, когда голландцы после тяжелой борьбы с испанскими завоевателями получили независимость. Теперь они свободно плавали по морям и торговали со всем миром. Голландия стала одной из самых богатых стран в Европе. После трудных и долгих лет войны люди острее и тоньше ощутили окружающий мир, очарование природы. Они любовались предметами, среди которых протекала жизнь. Это было время расцвета голландского искусства. И особенно искусства натюрморта.

Умение видеть красоту в обыденном было свойственно голландским художникам. Они вдохновенно писали на своих полотнах посуду, ткани, прекрасные земные плоды, вино, поблескивающее рубиновыми оттенками в бокалах. Очень часто натюрморты назывались завтраками: « Завтрак с цыплёнком» или « Завтрак с ветчиной и персиками». Натюрморты, написанные когда-то художниками, рассказывают нам не только о вещах. Они говорят о жизни и быте их владельцев, об их привычках. В умелой компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей ( недаром голландцы называли натюрморт «still leven» - тихая жизнь). В Голландии были натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а во Фландрии писали на огромных холстах горы дичи, рыбы и цветов.

Натюрморты 17 века предлагают внимательному зрителю проникнуть в чудесный мир, созданный живописцем из умело подобранных предметов – скромные голландские «завтраки», роскошную фламандскую снедь, либо меланхолические картины «Vanitas», посвященные быстротечности жизни.

Натюрморт голландского живописца Питера Класса «Опрокинутый кувшин и другие предметы на скатерти» : предметы неустойчивы, все подчинено замыслу художника передать бытие предметов в утекающем времени, размышление о вещи, постепенно изменяющейся и приходящей к концу : свеча сгорает, бокал разбивается, от орехов остается одна скорлупа, а рассыпающийся пепел напоминает о бренности мира и человеческой жизни. На картине Хеды «Завтрак с ежевичным пирогом» справа помещены карманные часы, воплотившие в себе неостановимый ход времени. В «Натюрморте с золотым бокалом» П.Класа часы лежат на столе рядом с традиционными символами бренности – раковинами, представляющими пустую мертвую скорлупу, из которой давно ушла жизнь, и драгоценным кубком. 17 век получил название «золотого века» натюрморта. Проникнув в замысел картины, мы увидим воплощенную в красках мысль художника о бытии предмета в неостановимом потоке времени, возведенную до мысли о человеке и судьбе.

18 век не был веком натюрморта. По мере того, как изобразительное искусство становится все более разговорчивым,(складывается даже особый жанр – «разговорной сцены»), натюрморт умолкает. Изображенные вещи перестают быть знаками иного, они словно входят в свои естественные габариты, утрачивают свою бытейность, становятся просто предметами быта. Из всех художников 18 века только для Шардена натюрморт был важной областью творчества. В его картинах есть строгая композиционная поставленность, но нет сюжетной драматургии. Вещи не вступают друг с другом в молчаливый разговор, они не поучают, не предупреждают, они не требуют разгадки. Натюрморты 17 века всегда ритуальны – будь то религиозный или светский ритуал. Натюрморты Шардена лишены ритуальности, они нарочито естественны – «Медная посуда».

18 век освобождает вещи от их смысловой и образной многомерности, философских и религиозных раздумий о жизни и смерти.

19 век вплоть до середины столетия натюрмортом мало интересовался. Но именно в последней трети его, возникает импрессионистический натюрморт, который определит судьбу этого жанра в искусстве 20 столетия. В «Натюрморте с дыней» Э.Мане фрукты почти неузнаваемы: дыня похожа на развесистый куст, виноград на куртину травы. Реакцией на этот процесс было искусство Сезанна, его стремление вновь собрать вещь, вернуть ей первоначальную материальность и форму. В «Натюрморте с вазой», в отличие от долевого взгляда импрессионистов, вещь увидена вблизи. Вновь обретенная форма словно ощупывается со всех сторон, художник показывает ее снизу, сверху, стремясь убедиться в реальности и незыблемости ее предметности. В натюрморте «Яблоки и груши» нет фактуры яблок, груш, есть фруктообразные сгустки единой материи. И все же, как это не парадоксально, Сезанн, пусть по – другому, чем импрессионисты, продолжает развеществлять предметы. Импрессионисты растворяли их в свете; у Сезанна они принимают характер всематериальности, всеоформленности, но теряют свои имена, свою самость.

Развитие натюрморта 20 столетия имеет сложный сценарий. Одна из линий , идущая от Сезанна, - постепенная утрата вещами их «жизненного пространства» в пределах изобразительного поля картины. Особенно выразительно – у Н.Гончаровой в ее «Натюрморте с портретом и белой скатертью», где овощи и фрукты в буквальном смысле готовы упасть со стола, исчезнуть вместе со скатертью, словно спасаясь от взгляда странной фигуры, сидящей в глубине картины. У Штеренберга стол, на котором располагается натюрморт, увиден сверху, при этом его горизонтальная поверхность превращается в вертикальную, и все предметы, словно намагниченные, держатся на этом вывернутом или опрокинутом столе, («Натюрморт с конфетой»). Другая , тоже идущая от Сезанна линия – это присущая его натюрмортам агрессивность форм. На современников они произвели впечатление «свирепой , подавляющей силы». В натюрмортах Машкова, Кончаловского предметы прут из полотна на зрителя «весомо, грубо, зримо». В «Хлебах» Машкова буханки хлеба похожи на тараны, есть в них что-то угрожающее.

Но в 20 веке натюрморт переживает еще одну, может быть, самую беспощадную метаморфозу: совершается распад, раздробление предмета, его формы, даже его силуэта, его контура – наиболее важных его признаков. В натюрморте с бутылкой Пикассо предмет расчленяется на отдельные плоскости, начинает на глазах распадаться, и художник строит из этих освободившихся плоскостей совсем иной, беспредметный предмет, в котором отдельные его части остаются лишь как воспоминание о прежней, некогда существовавшей вещи( «Столик в кафе»).

1. Как ставить натюрморт.

Нередко успехи в учебе зависят от умения выбрать натуру, организовать постановку, определить доступную цель задания. Поэтому каждому юному художнику немаловажно знать и подмечать закономерности гармонии как в действительности, так и в произведениях искусства. Одно из условий удачной работы - привлекательность натуры. Эмоциональная сторона играет важнейшую роль в учебе, вызывает творческое отношение к процессу рисования. Скучное задание быстро утомляет, появляется желание поскорее и как попало завершить работу.

Ставя натюрморт, мы можем менять и перемещать предметы, драпировки, освещение до тех пор, пока композиция, цветовое, световое и тональное решение не удовлетворят полностью.

Работая с предметами и драпировками, вы учитесь композиции. И если будете при этом наблюдательны и внимательны, то сможете многому научиться. Творческий процесс начинается не с первых штрихов карандаша или мазков кисти, а с задумывания постановки натюрморта. Специфика учебного натюрморта в том, что он призван поэтапно решать изобразительные задачи от простого к сложному. По мере их нарастания усложняются натюрморты. Но принцип создания – облегчить учащемуся передачу объемно - пространственных, цветовых, тональных и композиционных качеств натуры – остается.

Есть общие правила постановки натюрморта. Предметы должны иметь смысловую связь. Композиционный центр всегда хорошо выражен (обычно он находится на втором плане). Часто учебная постановка организуется по принципу подчинения какой-нибудь геометрической форме ( этот способ композиции был известен художникам с древнейших времен, им пользовались многие мастера), чтобы предметы вписывались в треугольник, прямоугольник, квадрат, круг, овал. Композицию можно развернуть по горизонтали, вертикали, по диагонали, причем натюрморт смотрится лучше по возрастающей слева на право – как мы привыкли читать. Зрительное поле человека ограничено некоторой овальной формой, предметы скомпонуются в натюрморте, если войдут в этот овал.

При постановке натюрморта ищите гармонию и уравновешенность масс, внутреннюю связь предметов, драпировок и цвета. При этом надо иметь в виду не только сами вещи, но и промежутки между ними, часть окружающего пространства.

Готовых рецептов и формул учебных заданий нет и быть не может. Это целиком зависит от творческой способности живописца, от его чутья и умения гармонично распределить детали, задумать общую колористическую гамму в зависимости от задачи.

На начальном этапе выбираем простые формы, разнообразные по цвету, материалу, соразмерные друг другу предметы. Что значит соразмерные друг другу предметы? Рядом с крупными вещами нельзя ставить очень мелкие. Нужны какие-то промежуточные по величине объекты, которые связывают эти массы.

Натюрморты из двух-трех предметов быта ставятся относительно легко. Основную трудность представляет «построение пространства», которое не должно быть глубоким (обычно трехплановое), ведь в этом случае значительно сложнее передать форму натуры. Созданию впечатления глубины и объема в живописи можно помочь еще на этапе задумывания постановки. Ближе воспринимаются предметы, теплые по цвету, яркие, контрастные, детально проработанные. Холодные, нейтральные и обобщенно прописанные воспринимаются относительно первого плана как бы уходящими в глубину.

Начинающему живописцу приходится решать целый комплекс изобразительных задач. Он еще не в состоянии уловить тональные нюансы, у него не развито и цельное видение, поэтому особенно важно, чтобы натюрморт был хорошо и понятно организован.

Первый план требует детальной проработки. Ставим сюда предметы яркие, контрастные, мелкие: например, ветку рябины, винограда, сливы, грибы на однотонную драпировку без складок или с простыми складками. На втором плане – композиционный центр натюрморта. Это обычно самый крупный. Главный объект и уравновешивающие его предметы средней величины (лучше, если они будут однотонные). Предметы эти пишутся широко, боле обобщенно, чем первый план. И наконец, фон.

В учебной постановке фон не должен быть активнее предметов. В первых натюрмортах лучше применять нейтральные тона: сероватые, серовато-зеленые. Серо-голубые. Они обладают способностью согласовываться с более активными тонами, частично примешиваясь к ярким. Применение таких драпировок в натюрморте облегчает поиск гармоничной гаммы. Особенность же нейтрального фона состоит в том, что на него сильно действуют оттенки предметов натюрморта и если его написать одним локальным цветом, например серым, то фон будет казаться чужим рядом с предметами.

Гармония различных оттенков, созвучных основному цвету, определяет колорит натюрморта. Колористическая гамма может быть заданной .

Велика роль драпировок. Не только служащих основным фоном, но и помогающих увязать предметы пластически. Складки и направление драпировок желательно уложить так, чтобы они замыкали изображенное пространство, направляли взгляд зрителя к центру композиции.

Освещение также важный момент в живописи, идеальным является дневное, но оно не постоянно. Для учебы подходит электрическое.. для каждой постановки надо искать наиболее выразительное освещение; чем четче разграничение светотени на поверхности предметов, тем лучше читается форма. Хорошие эффекты дает верхнее и боковое освещение.

Высота горизонтальной плоскости тоже очень важна. Не следует садиться очень далеко и близко к постановке. Расстояние от рисующего до натюрморта должно быть равно примерно 2-3 величинам постановки.

Не ищите для учебных заданий каких-то особенных предметов. Простая посуда домашнего обихода сослужит прекрасную службу, постарайтесь увидеть красоту обыкновенных вещей, которые окружают нас каждый день.

1. Последовательность выполнения натюрморта.

Работа над натюрмортом разделяется на несколько этапов. Сначала определяют размещение натюрморта на листе бумаги, т. е. создают композицию листа. Для этого на одном листе делают несколько вариантов зарисовок небольшого размера, стараясь понять, как распределяются свет и тень на всех предметах, где расположены наиболее освещенные и наиболее затемненные участки натюрморта. Отмечают также, какие предметы составляют передний план, какие отходят в глубину, какой предмет является самым темным, какой самым светлым. 

Затем выполняют рисунок постановки на основном листе. В акварельной живописи рисунок не передает детально свет и тень предметов, а играет вспомогательную роль — указывает границы формы, которая в результате работы цветом кажется объемной и материальной. Выполнять рисунок можно карандашом или углем, чтобы его легко можно было ослабить, не повреждая поверхность бумаги, которая имеет очень большое значение для акварельной живописи. В рисунке выявляют общую форму, пропорции предметов, намечают основные границы света и тени объемной формы, отмечают участки бликов. Сделав рисунок и смочив бумагу водой, чтобы она не была жирной, приступают к выполнению натюрморта. 

Начинают с обобщенной передачи объемов предметов. Находят цвета предметов и фона, определяя основные цветовые отношения в натюрморте. Цвета, полученные смешением красок, проверяют на палитре. При необходимости цвета уточняют. Найденные цвета накладывают крупными пятнами на соответствующие места рисунка натюрморта. Каждый цвет сравнивают с остальными и при необходимости уточняют. Цвета начинают накладывать чаще всего со светлых мест предметов, потом переходят к более темным, затем к самым темным, в нужных местах делая плавный переход от светлого цвета к более темному соответствующим приемом письма. Там, где надо, цвет усиливают повторным наложением. Таким образом отношения цветов в акварельной работе постепенно подводят к натуре. Накладывая цвет тени, выделяют цвет рефлекса, а на освещенной части — блик. 

Определив основные цветовые отношения постановки, переходят к детальной проработке объемных форм. Крупными мазками довольно густым раствором краски уточняют цвет света, тени, полутени, рефлекса. Надо следить за тем, чтобы не пересветлить цвет освещенной части. Для этого сравнивают его с белым листом бумаги, на котором рисуют. Для передачи объема одного предмета посредством постепенного перехода цвета от светлого к темному можно использовать прием письма «по сырому». 

Для передачи объемности предмета нужно сравнивать светлоту и насыщенность цвета на свету и в тени каждого предмета. Живописное решение пространства передается перспективным изменением цвета. Предметы, расположенные ближе к зрителю, выделяют четче, в них яснее видны все детали формы, все переходы цвета на объеме. Чем дальше от зрителя находится предмет, тем в большей степени он теряет светлоту и насыщенность цвета и тем меньше становится контраст света и тени. Выделяя планы натюрморта, надо все время сравнивать между собой цвета предметов, расположенных на разном расстоянии от зрителя. Если все же предметы, расположенные дальше, слишком выступают вперед, необходимо уменьшить насыщенность их цветов, смягчить контуры их формы или усилить цвет предметов переднего плана. 

Впечатление глубины пространства в натюрморте зависит и от трактовки фона, на котором находятся предметы. Поэтому к работе над фоном надо относиться очень внимательно. Цвет фона все время сравнивают с цветом предметов. Особую сложность представляет фон светлого цвета с большой насыщенностью, который может сильно выступать вперед. При таком фоне лучше всего взять для постановки предметы, контрастирующие с ним по цвету. Контраст будет способствовать выявлению цвета и формы предметов, обогащать живописное решение всего натюрморта, выделять положение предметов на первом плане. 

Передавая детально цветовые и тоновые отношения натуры, достигают тем самым передачи материала. Для этого нужно разнообразить технику наложения мазков, т. е. класть их то крупнее, то мельче, меняя при этом направление мазков в зависимости от формы и материала предмета. Заканчивают натюрморт обобщением отдельных оттенков цветов, подчиняя их всем другим цветам. Этим добиваются целостности впечатления от постановки. Последние мазки лучше делать прозрачными и яркими красками. Выполняя натюрморт в живописи, важно все время правильно видеть натуру: цельно — при определении общих цветовых отношений и в конце выполнения работы, конкретно — при проработке деталей, т. е. следовать принципам «от общего к частному» и «от частного к общему». Это поможет найти и передать в живописи связь между предметами по цветовому тону, светлоте, насыщенности цвета, их пространственному размещению. 

Выполнять живописную работу акварелью можно разными методами. Например, сначала можно прописать весь этюд цветом, не полностью насыщенным, а затем довести насыщенность всех цветов до соответствия натуре. При выполнении этюда цвет можно взять сразу полностью насыщенным, с тем чтобы в дальнейшем оставить его нетронутым. В этом случае этюд пишут по частям, цвета подбирают осторожно, обдуманно и кладут «начисто». Этот метод работы требует значительного опыта и умения. В одной работе можно использовать разные способы акварельной техники живописи: «по сырому», «по сухому», «алла прима», лессировку. Для изображения предметов, расположенных на переднем плане, чаще используют технику «по сухому», а предметы, находящиеся на дальнем плане, пишут техникой «по сырому». 

Работая над различными натюрмортами, в которых сопоставляются разные по материалу и фактуре предметы — твердые, мягкие, матовые, блестящие, прозрачные, плотные, легкие, тяжелые и т. д., познают их красоту и приобретают необходимый опыт в их изображении, изучают разные способы акварельной техники живописи, вырабатывают навыки выполнения сложных живописных работ, таких как изображение головы человека, фигуры человека, обнаженной и в одежде.